FLOOD_ Symposium 2


At first, I wanted this video to be more poetic. A piece of art by itself. Almost a video statement that could account for presenting me as an artist. When I started putting my thoughts in order and in text format I felt a bit lost- how to summarize everything I’m thinking and building in a 5-minute video? How to relate it to what I studied in the research paper with enough poetry to become a piece of art by itself? I was stuck. I spent days and days trying to write one, two, three texts … It was then that I understood that at that moment it was not meant to create something new, but to review and rethink my steps and thoughts during these two years of process. So I tried to follow a somewhat more traditional narrative but keeping important points for my poetic.

This video is called Flood, which refers to the use of water in my work and also to the flood of thoughts, feelings, and sensations that I faced throughout this process. The beginning is in Portuguese, in which I felt it was important to let me solidify my roots and my trajectory. At no point in this process, I felt displaced from my country and my roots, even though I was immersed in a different culture. And I think it’s important to keep an excerpt with my mother tongue and subtitled it because in a way I’m sharing a little of how I feel every day as an immigrant in a different country. Another important point for me in the video is the end when I get out of the water and go to the “world”. As if for the lack of oxygen or space I left this protected, fantastic and magical universe that is the Masters and went to the world to build my own wings. It could also be seen as a metaphor, a rebirth as an artist.

Technically, of course, that I wrote more than what I needed for 5 minutes so I had to cut out important things and shred that text. After watching it about 10 times I realized that I left a lot of things out. Perhaps this is the beauty of living processes, nothing really ends, everything is in constant cycles of transformation.

So this is the text I wrote talking a little bit of my process now, but keep in mind that tomorrow it can be something entirely different.

During my trajectory, I experimented with the production of still and moving images, in the construction of subtle personal narratives. I use water because it is a natural uncontrolled element, and it additionally represents a metaphor for memory, time and transformation. My artistic practice is an intense inner dive, guided by the constant search for an unreachable and mutable self-knowledge.


In the course of this process, I understood that my practice happens by sensations and reactions to what surrounds me. I’ve also learned that even with all the anguish and anxiety it may cause me, I have come to recognize uncertainty as one of my greatest allies. It allows me to experiment freely, without the obligation and stiffness of a static final product, with the flexibility of action, allowing me to enjoy myself in the process. The materials used and the ways of acting became elements of a dance, unfolding in the construction of new ways of seeing both internally and externally. I am open to where the elements will take me.

In my Reseach Paper, I researched the processes and artistic practices of the Brazilian artists’ duo Mirella Brandi X MuepEtmo. My greatest interest in their work was in the use of the elements, light, and sound, in live artistic performances. However, in the course of my research, my curiosity evolved beyond the elements and entered into the creative process, which through the experimentations of the elements constructed a new language, proposing to the viewer the construction of personal narratives. The spectators have to be present, attentive. They are participants in the work. In this sense, I related the work of the duo with the tradition of expanded cinema, because of the essential use of the elements (light and sound). Moreover, Gene Youngblood puts as a feature of expanded cinema the search for an expanded consciousness.

This research has brought me an even greater focus on personal narratives, and how we artists have the power to build, induce, and tell stories. And I began to realize that even unconsciously my process is related to the creation of personal rituals: to observe the brightness of water or to perceive the textures of the ink in contact with the paper, for example. These are small artistic actions, often repetitive, that helped me in the process of personal connection, the acceptance of being an artist and self-knowledge. I saw that this intimate connection was something that I denied until then.

With this vision, I reframed the practice of the blind self-portrait, which I previously thought was only part of a personal process, without any artistic value. I returned to this practice, bringing colors and letting the image to be blurred by the water. Thus they became fluid self-portraits, which together are the record of this process of construction and deconstruction, a static image that is marked by the movement in transformation. One step beyond this work is the full-body blind drawings, which made me look at myself as a whole, with every mark, every curve, every thought and every judgment, in an attempt to construct a real mental image of myself. Then I can dissolve or superimpose two images since everything is changeable.

Recording processes is something that has always interested me. Within my journey, I began to use Instagram as a platform for sharing these processes and experiments in the construction of a personal narrative as an artist. I seek to build a visual diary that even without words tells my story and my interests as an artist.

In relation to my personal rituals came a great question: how to bring the spectator, how to invite him to participate and to enter into this universe of contemplation and transformation? I remembered a few researchers and experiences with virtual reality and put them into practice, creating the Rio Experience # 2, which consisted of an immersible 360 ° video, which works as an invitation to the spectator to go through these rituals, thus building their own narratives.

I do not know why I’m having such a hard time talking about my process right now. Perhaps it is something unconscious, a failed attempt to move against time, procrastinating and postponing the termination of this process. Maybe I’m afraid of the end, whatever it is.

And I know that in spite of seeming to be the end, this is in fact only the beginning.

Well, I felt that this video was very painful to do and even more to be presented to my colleagues. Maybe it’s because I really feel now that I’m exposing and revealing myself, and in this process I’m very insecure, and afraid to realize that what I’m doing is actually worthless. Overall, I feel that the reaction of my colleagues was positive: some people liked the blind drawings, found the work with water interesting, and also enjoyed the  interaction with the outside world in the action in which I am coloring the puddles. But at the same time I realized that I could not express everything I wanted in this video, and that I did not express myself so clearly, and I felt very frustrated. I feel that I still need to learn a lot in how to express my vision and artistic ideas in a cohesive way.

Unfortunately at that moment I could not help feeling that my work was silly, perhaps childish and worthless. But this is a constancy in my process: the terrible need for validation.

It’s interesting that everything I’m working on now revolves around these little personal rituals that seek validation, self-assertion, self-knowledge, recording my search for a voice as an artist. Yes, they are helping me, realizing that I can accomplish what I propose, but it is a daily growth, and I often fall and find myself having to rebuild everything that I am. But I understand that these are cycles of our existence.

  • Here are some comments by my colleagues on Skype:

Nancy Jo Ward: Vic, your self-portrait drawings are so primal, so powerful

Eng Agger: Vic I like your whole process

Nancy Jo Ward: the use of water is an interesting connection from the rituals and the metaphor of rippling water

Eng Agger: The idea with water as a general topic is interesting

Will Clarke: my favourite piece was the ink in puddles, the way it engaged the outside world

Will Clarke: like the street was a free studio setup

Eng Agger: Yes Will

Inga Linevičiūtė: interesting processes, very personal project when you are yourself as a main subject

neslihanb: yes Inga, I really like the intimacy

Inga Linevičiūtė: I remember reading somewhere, that water is very sensual. In a way, that it remembers, affected by surroundings, moods… water can be used as a sacred thing, like wash away all your sins :))

During the presentation of my colleagues we talked a little about the importance / need of presenting the process. The opinions were diverse, and I feel more and more interested in the gesture of the artist and in his process, as a technique, but also as narrative. This can be an important record not only to show the work and the layers presented in it, but also as a historical record of a process and artistic thought. Perhaps this is a very contemporary thought, in which macro narratives, such as the historical context of a work, have been replaced by micro narratives, and by the interest in who the person is.
Making a small comparison with the work of my colleagues, I noticed some people seeking to “disappear” into their art. And I realized that my trajectory during the masters was the opposite, was for me to allow myself to appear, work with my resemblance, my body, my image and build the way I look at myself. I think that before we work on an artistic glance about a theme or matter, it is important to have security, or to allow an inner look.

It is important to build a relationship and a connection with ourselves so we can proceed to a connection with the external. So I feel that this process has not yet been of find myself (taking into account that I understand self-knowledge as a utopia, as we are constantly changing), but rather to accept and try to validate my artistic voice.

And who knows, maybe be able to inspire others to create a time to look at themselves?


A princípio, eu queria que esse vídeo fosse mais poético. Uma peça de arte por si só. Quase que um video statement que pudesse dar conta de me apresentar como artista. Quando comecei a colocar os meus  pensamentos em ordem e em formato de texto me senti um pouco perdida- como resumir tudo que estou pensando e construindo em um vídeo de 5 minutos? Como relacioná-lo com o que eu estudei no research paper com poesia suficiente para se tornar por si só uma peça de arte? Travei. Fiquei dias e dias tentando escrever um, dois, três textos … Foi então que eu entendi que nesse momento não era muito para eu criar algo novo, e sim, rever e repensar meus passos e meus pensamentos desses 2 anos de processo. Assim tentei seguir uma narrativa um pouco mais tradicional, mas mantendo pontos importantes para minha poesia. 

Este vídeo se chama Flood (Inundação), o que se referencia ao uso da água no meu trabalho, e também à inundação de pensamentos, sentimentos e sensações que passei durante todo esse processo. O início em português sinto importante para deixar registrando as minhas raízes e a minha trajetória. Em nenhum momento desse processo me senti deslocada do meu país e da minha cultura, mesmo estando imersa em uma cultura diferente. E eu acho importante manter um trecho com minha língua mãe e legendado, pois de uma certa forma estou dividindo um pouco do eu sinto todo dia como imigrante em um país diferente. Outro ponto importante para mim no vídeo é o final em que eu saio da água e vou para o “mundo”. Como se por falta de oxigênio ou espaço eu saísse desse universo protegido, fantástico e mágico que é o mestrado e fosse para o mundo construir minhas próprias assas. Poderia ser visto também como uma metáfora, um renascimento como artista. 

Tecnicamente, é claro que eu escrevi mais que o necessário para 5 minutos então tive que cortar coisas importantes e retalhar esse texto. Depois de assisti-o umas 10 vezes percebi que deixei muita coisa de fora. Talvez esta seja a beleza dos processos vivos, nada realmente termina, tudo está em ciclos constantes de transformação.

Então este é o texto que eu escrevi falando um pouco do meu processo de agora: 

(mas não se esqueça, amanhã ele poderá ser outra coisa) 

Durante a minha trajetória eu experimentei com a produção de imagens estáticas, em movimento e performance   na construção de narrativas de cunho pessoal pessoais e sutis. trazendo a água como elemento natural de descontrole e como uma metáfora para a memória, tempo e transformação.  A minha prática artística é um intenso mergulho interior guiado pela constante busca do inalcançável autoconhecimento mutável. 


No decorrer deste processo entendi  que a minha prática acontece entorno de sensações e reações ao que me circunda. E fui aprendendo que mesmo com toda a angústia e ansiedade que ela me causa, a incerteza é uma das minhas maiores aliadas. Ela permite a experimentação livre sem a obrigação e a rigidez de um produto final estático, mas sim a flexibilidade de agir e se divertir dentro do processo. Os material ações e misturas se tornam elementos de uma dança que se desenrolam na construção de novas formas de olhar interno e externamente. Aberta para onde os elementos vão me levar. 

O que me lembrou de experimentos que eu havia fazendo com ralações a tradução de um pensamento ou uma obra de uma mídia a outra Tradução das mídias venho trabalhando com elementos e materiais diferentes mas de uma forma em que os trabalhos se transformem em um corpo e que conversem entre si. Esse método para alguns autores pode ser chamado de transmidia, aqui no meu processo eu chamei de tradução. Algo que nunca vai manter o mesmo sentido, mas ao mesmo pois por mais que cada pobre converse entre sim cada uma apresenta uma narrativa própria, trabalhando com a água e toda a transformação e mudança que ela permite 

No meu research paper eu pesquisei os processos e praticas artísticas da dupla de artistas brasileiros  Mirella Brandi X MuepEtmo. O maior maior interesse no trabalho estavam nos elementos, a luz e o som utilizadas em conjunto  em uma perfomance artistica ao vivo. Mas no decorrer da pesquisa minha curiosidade evoluiu para além dos elementos e adentrou  o processo criativo que através das experimentação dos elementos construíram uma nova linguagem que propõe aos espectador a construção de narrativas pessoais: os espectadores tem que estar presentes, atentos e são participantes do trabalho. Neste sentido relacionei o trabalho da dupla com a tradição do cinema expandido, afinal além do uso essencial dos mesmos elementos ( luz e som) Youngblood coloca como uma característica a indução de uma consciência expandida. 

Esta pesquisa me trouxe um foco ainda maior nas narrativas pessoais e como nos artistas temos o poder de construir, induzir e contar histórias. E comecei a perceber que mesmo inconscientemente meu processo esta relacionado com a criação de rituais pessoais: ver o brilho da água, perceber as texturas da tinta em contato com o papel, pequenas ações artísticas, muitas vezes repetidas  que me ajudavam no processo de conexão pessoal, aceitação do ser artista e autoconhecimento. E que esta conexão intima era algo que eu negava e que deveria adentrar no meu íntimo e deixá-lo transparecer no processo 

Nesse momento eu ressignifiquei a pratica do autorretratos cego que anteriormente achava que era apenas parte de um processo pessoal que não havia nenhum valor artístico. Voltei a fazer essa ação trazendo  cores e deixando a imagem borrar pela água.  Eles se tornaram os autorretratos fluidos que em conjunto são o registro deste processo de construção e desconstrução , uma imagens estática que marca o movimento em transformação. Um passo além deste trabalho são os desenhos cegos de corpo inteiro que me fizeram olhar para mim como um todo cada marca, cada curva, cada pensamento, cada julgamento na tentativa de construir uma imagem mental  real sobre mim mesma. E derretendo ou sobreponde essa imagem, já que tudo é mutável. 

O registro dos processos é algo que sempre me interessou então dentro da minha jornada eu comecei a usar o Instagram como plataforma para o compartilhamento destes processos e experimentos  e comecei a construção da minha narrativa pessoas como artista. Busco construir um diário visual que mesmo sem palavras  contasse a minha história e os meus interesses como artista. 

Sobre os meus rituais pessoais uma grande questão era como trazer o espectador, como convidá-lo a participar e a adentrar nesse universo da contemplação e da transformação. Lembrei de algumas pesquisas e experiencias com realidade virtual e tentei colocá-las em prática, criando a Experiência Rio #2, um video 360°  imersivo que funciona como um convite ao espectador de passar por esses rituais e construir suas próprias narrativas.  

Eu não sei porque estou com tanta dificuldade de falar sobre o meu processo neste momento. Talvez seja algo inconsciente, uma tentativa fracassada de ir contra o tempo, procrastinando e postergando o término desse processo Talvez eu tenha medo do fim, seja ele qual for.

Bom, sinto que esse vídeo foi bem doloroso de se fazer e ainda mais de apresentar para os colegas. Talvez seja porque agora sinto que realmente que estou me expondo verdadeiramente, me mostrando, revelando meu íntimo e nesse processo fico muito insegura, e com medo de perceber que na verdade o que eu estou fazendo não tem valor. No geral, sinto que a reação dos colegas foi positiva, algumas pessoas gostaram dos desenhos cegos, acharam o trabalho da água interessante e também gostaram da interação com o mundo exterior na ação em que eu estou colorindo as poças d’água.  Mas, ao mesmo tempo percebi que não consegui expressar tudo que eu gostaria no vídeo, que não me expressei tão claramente, e isso me deixou muito frustrada. Sinto que ainda preciso aprender muito em como expressar meu olhar e ideias de artista de uma forma coesa.

Infelizmente naquele momento não consegui não sentir que meu trabalho era bobo, talvez infantil e sem valor. Mas isso é uma constância dentro do meu processo: a terrível validação.

Interessante que tudo que eu estou trabalhando agora gira em torno desses pequenos rituais pessoais que buscam a validação, a autoafirmação, o autoconhecimento, registrando essa minha busca por uma voz como artista. Sim, estão me ajudando, a perceber que eu consigo realizar o que me proponho, mas é um crescimento diário e muitas vezes eu caio e me vejo tendo que reconstruir tudo o que sou. Mas entendo que esses são ciclos da nossa existência.

  • Aqui alguns comentários do pessoal do Skype:

Nancy Jo Ward: Vic, your self-portrait drawings are so primal, so powerful

Eng Agger: Vic I like your whole process

Nancy Jo Ward: the use of water is an interesting connection from the rituals and the metaphor of rippling water

Eng Agger: The idea with water as a general topic is interesting

Will Clarke: my favourite piece was the ink in puddles, the way it engaged the outside world

Will Clarke: like the street was a free studio setup

Eng Agger: Yes Will

Inga Linevičiūtė: interesting processes, very personal project when you are yourself as a main subject

neslihanb: yes Inga, I really like the intimacy

Inga Linevičiūtė: I remember reading somewhere, that water is very sensual. In a way, that it remembers, affected by surroundings, moods… water can be used as a sacred thing, like wash away all your sins :))

No meio da apresentação dos colegas conversamos um pouco sobre a importância/ necessidade de apresentação do processo. As opiniões foram diversas, mas me sinto cada vez mais interessada no gesto do artista e no seu processo, como técnica, mas também sua narrativa. Este pode ser um registro importante não só mostrar o trabalho e as camadas presentes nele, mas também como um registro histórico de um processo e de um pensamento artístico. Talvez esse seja um pensamento bem contemporâneo, em que as macro narrativas, como um contexto histórico de uma obra, tenham sido substituídas pelas micro narrativas, e pelo interesse em quem a pessoa é. 

Fazendo uma pequena comparação com o trabalho dos colegas, percebi algumas pessoas buscando o “desaparecer” na sua arte. E eu percebi que a minha trajetória no mestrado foi ao contrario, foi a de me permitir aparecer, trabalhar com o meu rosto, o meu corpo, a minha imagem e construir a forma com a qual eu olho para mim. Acho que antes de trabalharmos um olhar artístico a respeito de um tema ou de uma matéria é importante ter segurança, ou se permitir um olhar interior.

É importante construir uma relação e uma conexão com nós mesmos para poder assim seguir para uma conexão com o externo. Então sinto que esse processo ainda não foi o de me encontrar (levando em conta que eu entendo o autoconhecimento como uma utopia, pois estamos em constante mudança) mas sim o de me aceitar e tentar valorizar a minha voz artística.

E quem sabe assim conseguir inspirar um pouco os outros a criar um tempo de olhar para si?



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