Low Residency 2018 and the Creative block

English:

In the midst of an intense creative block with the phrase “you need to try harder” bombarding my head, I found myself in the middle of the most intense, most important and most fun days of the course: Low Residency. 10 days in which all the students are invited to participate in a series of activities proposed by Jonathan, from lectures, visits to museums, workshops to other conferences. In this period I challenged myself to put aside all the frustrations and pressures of the final show and the last year and have fun. I have tried to see art and production more lightly and to play and experiment as much as possible with materials and concepts not much explored or even forgotten by me.

Between meaningless phrases, funny words and ‘biscuits’, the week began with a presentation by Jess Thom, a Tourette artist, a neurological condition that causes involuntary sounds and movements called “tics. (like saying ‘biscuits’). Her illness worsened during college when she was 20 and when a friend defined her illness as a kind of machine that generates a crazy language. She began to realize the creative potential of her condition and stopped seeing it as an illness, but rather as a gain for her creativity, as a superpower. In 2010 she co-founded Turrets Hero, an organization that celebrates the mood and creativity of the syndrome, presenting it as a power and not a problem. He also created a website, inviting everyone to take inspiration from his verbal tics and craft. Its main intention is to spread this condition in a spontaneous, creative and fun way, bringing visibility to this problem that is often hidden by society, as well as inspiring a new generation of doctors, scientists and researchers to study this disease. For the artist, an innovative look plays a very important role in promoting knowledge within formal academic subjects and helps open the mind and understand differences through art. I had never seen anyone with Tourette and I was very touched by his lecture, I found it beautiful how it reconfigures his condition and transforms it into expression, into a power.

This presentation was a trigger for groups to venture into this wildly creative world of Tourette and tourretshero site, and produce in a few hours a video inspired by a tic her. Along with Maddie, Joseph, and Ben Sullivan, we ventured into the marvelous and often mysterious or funny phrases and were intrigued by the phrase “I HATE OWLS OVERACTING.” From it, we realize that we could follow two paths: to produce something illustrative about the phrase or to follow our interpretation. We continue with the second proposal. Our new friend Ben (from the first year online) also came with the technical knowledge and 3D scanning equipment. He was very generous to give us a private workshop and teach us how to scan and work with the 3D model in Photoshop. Inspired by owls we decided to put some objects on our face, deforming the image. In the audio we made an overlap of all of us speaking the phrase and manipulated the modulation to play with the tones of our voices. The rotation movement was done by Photoshop itself. Because I was a little frustrated by the standardization and limitation of the movements available through the software, I decided to create something different and a bit more “manual”, and I did an improvised setting recording the computer screen while manipulating the model. I often find it difficult to fully accept what technology proposes, and I prefer to subvert it.

I believe that every experience was very productive, not only because the result was interesting, learning something new and creating friends, but also having the opportunity to realize that all of us, like Jess, have a machine of spontaneous creativity with out of the box ideas: just learn to have fun and let it flow.

The second day started early with a tutorial session. I participated in a group with the teacher and artist Kaori Homma. We asked her for a critical conversation, with tips on how we could improve and present our work. When it came to my turn I talked a little about my practice using moving pictures combined with natural elements. But I focused on presenting my most recent work, ‘Memories, 2017’. When I explained about the ritual, the scars and the feminine the comparison of colours with blood was inevitable and works like Portrait of Blood by Mark Quinn were cited. But what I feel is that this work says more about memory and the scars we all have than being a mere direct reference to drained blood and pain. Another issue was the nature of the water used: in Brazil, I used to use the Guarapiranga dam (where I grew up). By being physically in another place how would it change my relationship with water? One suggestion might be the use of bath water.

This tutorial helped me to realize first that I need to improve the presentation of my work, choosing better the words and the context of my creation. And it must also be realized that each element of the work must have a motive to be there, even if it is not very visible to the viewers or is interpreted in a different way. I am the best person to talk about my work and I need to be sure of every step and choice, even if it has been unconscious.

Now, reviewing my notes to write this text I came across the name of the artist Alyssa Monks and in researching it I realized that, even working in different languages ​​and techniques, we shared many questions and feelings about artistic practice. Definitely an artist that I would like to go deeper into.

We followed with a workshop given by Hannah Breslin about our artistic career skills and attributes. First, it helped us identify our abilities and later taught us how to turn our skills into stories to better communicate them (evidence) in the context of a conversation. This session was very interesting because it showed ways to enter into a “relaxed” conversation to pass on information that might be relevant in the future. In this session, in addition to coming up with still delicate questions about how to define my skills and be safe with them, it made me start to reflect more deeply on our personal stories and the narrative that is linked to being an artist. I believe that our stories and experiences as artists are as or even more important than the work done.

Still, inside the Low Residency, I finally had the opportunity to do a pottery workshop. Long ago I did not learn a really new skill and even finding it harder than I imagined I could do some pieces. First I made a cup with the pinching technique with my fingers. I also made a pendant for my necklaces and a little pot on the turntable. I do not know how or if I will use pottery in my final work, or even in the artistic practice mine, but I will definitely explore the technique again. The feeling of building and having a ready object is really wonderful. I need to use it to make more pottery before I finish my course.

Saturday was a little quieter and we went to see some art spaces in the city of Margate. I was charmed mainly by the Turner Contemporary institution and how an art institution can have such a big influence on the city, bringing more commerce, tourism, and culture. It was amazing to also know that we were in the same place and with the same view that Willian Turner painted so many times.

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The second week began with a lecture by two former students of the course: Mannn and Trystan Williams, with the art philosophy of Patatas Guerra: “bring some work and we do something.” After graduating from the Master’s degree and being somewhat frustrated with the traditional art circuit they decided, one night at the bar, to get together and show their work on the street. They used the spontaneity of the moment and the public space for a small collective exhibition that lasted a few hours, and therefore the record of all process is very important. As digital art is also part of the practice of artists, some digital interventions have become part of the record. They further stated that these actions have almost a ritualistic character of drifting, finding a place, experiencing, exploring, and perceiving how their work interacts with outer space, the public space. They have already done 3 editions of this action in Milan, London and Venice and after this talk, they invited us to do the same. In a group, find a place to take the works, negotiate with space and understand how our practice relates to the environment, and not forget that the record of the process is the most important.

Our group consisted of 5 women, Arlette, Vivan, Gabi, Zara B. and myself. And so as for the boys everything started in a pub our first reaction was to go have a coffee. We spent a few hours talking, getting to know each other better and sharing our stories, concerns, and anxieties. Interesting as even that we all have cultures and trajectories of different lives we can identify with each other in this long journey for being young women artists in today’s society. We went to a park near the school and found a space with a tree that was beginning to sprout flowers: the first hint of spring after this arduous winter. We all started quietly exploring the place with our tools, skills, and jobs, and together we built a safe space for that glowing tree and all our feelings and thoughts.

photos by Gabbie

I chose to take Macro photographs of the tree and digitally combine it with a general picture, raising questions about the location, the intimate and the collective. In addition to experimenting with drained water with paint in another environment and another context and build a kind of network of golden wire that also protected that environment.

After this moment of intense experimentation and creativity, I still had the guts to play and experiment with throwing colored ink on the pieces of water from the floor of the way back to school. The result was not what I wanted, but I enjoyed feeling free and experimenting in a public setting, not safe on the walls of the studio. I hope anyone who has passed by there and seen has wondered why those puddles are coloured.

The next day, as a record we present a video that we present a sequence of photos and this “collage” of our works.

In one of the last days we paid a visit to the Tate Modern, more specifically to the Tate Exchange where, as far as I could understand, some courses were presenting actions regarding mental health, accessibility and other ways of seeing. When I saw a table full of paper, chalk, and mirrors, I could not think of anything other than my blind self-portrait practice that I started at the beginning of this masters process. Without even realizing I was teaching some colleagues this practice and how important it is to our construction of the look and especially of self-knowledge. The mirrors available on the table allowed me to play and see the drawings in a different way, distorted or fragmented like a dream. At that moment I began to wonder why I abandoned this practice and why I can not see it as a work of art? Perhaps at the end of the process, I should re-construct my gaze through the subconscious and the act of drawing, and who may reconfigure it. What if I blur the drawings with water? Would this practice be a ritual?

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I believe that this participation in the Low Residency was very important because it gave me the opportunity to play again and to be enchanted by art and processes. It made me realize that things can be lighter and more fun and that ‘you need to try harder’ is the coolest thing I could hear.

Thank you Jonathan.

Português 

No meio de um intenso bloqueio criativo com a frase “você precisa experimentar mais” bombardeando a minha cabeça, me vi no meio dos dias mais intensos, mais importantes e também mais divertidos do curso: a Low Residency. 10 dias em que todos os alunos são convidados a participar de uma serie de atividades propostas pelo Jonathan, desde palestras, visitas a museus, workshops até a realização de outras coletivas. Neste período eu me desafiei a deixar um pouco de lado todas as frustrações e pressões do final show e do ultimo ano e me divertir. Tentei ver e a arte e a produção com mais leveza, e brincar e experimentar o máximo possível com materiais e conceitos não muito explorados ou até esquecidos por mim. 

Entre frases sem sentido no meio de palavras engaçadas e muitos biscoitos (biscuits),  a semana começou com uma apresentação de Jess Thom, artista portadora de Tourette, uma condição neurológica que causa sons e movimentos involuntários chamados de “tics”. Sua doença se agravou durante a faculdade de artes quando ela tinha 20 anos e quando um amigo definiu sua doença como sendo uma espécie de máquina que gera uma linguagem maluca. Ela começou a perceber o potencial criativo de sua condição e deixou de ver isso como uma doença, mas sim como um ganho para sua criatividade, como um super poder. Em 2010 ela co-fundou o Turrets Hero, uma organização que celebra o humor e a criatividade da síndrome, apresentando-a como um poder e não um problema.  Criou ainda um site, convidando todos a se inspirar nos seus tics verbais e realizar arte. Sua maior intenção é divulgar esta condição de uma forma espontânea, criativa e divertida, trazendo visibilidade para este problema que muitas vezes é escondido pela sociedade, além de inspirar uma nova geração de médicos, cientistas, e pesquisadores para estudarem esta doença. Para a artista, um olhar inovador apresenta um papel muito importante de promover conhecimento dentro de assuntos acadêmicos formais, e ajuda a abrir a mente e entender as diferenças por meio da arte.  Eu nunca tinha presenciado alguém com Tourret e fiquei muito emocionada com sua palestra, achei linda a forma com que ela ressignifica sua condição e a transforma em expressão, em um poder.

Esta apresentação foi um gatilho para em grupos nos aventurarmos nesse mundo loucamente criativo do Tourret e do site tourretshero, e produzirmos em poucas horas um vídeo inspirado em um tic dela. Junto com Maddie, Joseph, e o Ben Sullivan, nos aventuramos no meio das frases maravilhosas e muitas vezes misteriosas ou engraçadas e ficamos intrigados por pela frase “I HATE OWLS OVERACTING”. A partir dela percebemos que poderíamos seguir para dois caminhos: produzir algo ilustrativo sobre a frase ou seguir para nossa intepretação. Seguimos com a segunda proposta. Nosso novo amigo Ben (do primeiro ano online) veio também com o conhecimento técnico e equipamento de escaneamento em 3D.  Ele foi muito generoso a nos dar um workshop particular e nos ensinar a escanear e trabalhar com modelo 3D no Photoshop. Inspirados em corujas decidimos colocar alguns objetos no nosso rosto, deformando a imagem. No áudio fizemos uma sobreposição de todos nós falando a frase e manipulamos a modulação para brincar com os tons de nossas vozes. O movimento de rotação foi feito pelo próprio Photoshop. Por ter ficado um pouco frustrada pela padronização e limitação de movimentos disponíveis pelo software eu decidi criar algo diferente e um pouco mais “manual”, e fiz uma gambiarra gravando a tela do computador enquanto manipulava o modelo. Muitas vezes tenho dificuldade em aceitar plenamente o que a tecnologia propõe, e prefiro subverter.

Acredito que toda experiência foi muito produtiva, não apenas pelo resultado ter ficado interessante, ao aprender algo novo e criar entre amigos, mas também de ter a oportunidade de perceber que todos nós, assim como a Jess, temos uma máquina de criatividade espontânea com ideias mirabolantes: basta aprender a se divertir e deixar fluir.

O segundo dia começou cedo com uma sessão de tutoria. Eu participei de um grupo com a professora e artista Kaori Homma. Pedimos para ela uma conversa crítica, com dicas de como poderíamos melhorar e apresentar nosso trabalho. Quando chegou minha vez eu falei um pouco da minha prática usando imagens em movimento combinados com elementos naturais. Mas me foquei em apresentar o meu trabalho mais recente, ‘Memórias, 2017’. Quando eu expliquei sobre o ritual, as cicatrizes e o feminino a comparação das cores com sangue foi inevitável e obras como Portrait of Blood de Mark Quinn foram citadas. Mas o que sinto é que este trabalho diz mais sobre a memória e as cicatrizes que todos nós temos, do que ser uma mera referência direta a escorridos de sangue e dor. Outra questão foi referente a natureza da água usada: no Brasil eu costumava usar a água a represa do Guarapiranga (local aonde e cresci). Ao estar fisicamente em outro lugar qual poderia ser a minha relação com a água? Uma sugestão talvez seria o uso da água de banheira.

Este tutorial me ajudou a perceber primeiramente que eu preciso aprimorar a apresentação do meu trabalho, escolhendo melhor as palavras e o contexto da minha criação. E preciso também perceber que cada elemento do trabalho precisa ter um motivo para estar lá, mesmo que ele não seja muito visível para os espectadores ou seja interpretado de uma forma diferente. Eu sou a melhor pessoa para falar do meu trabalho e preciso estar segura de cada etapa e escolha, mesmo que ela tenha sido inconsciente.

Agora, revendo as minhas anotações para escrever esse texto me deparei com o nome da artista Alyssa Monks e ao pesquisá-la percebi que, mesmo trabalhando em técnicas e linguagens diferentes, compartilhamos muitas questões e sentimentos com relação a pratica artística. Definitivamente uma artista que eu gostaria de me aprofundar.

Seguimos com um workshop ministrado por Hannah Breslin sobre nossas habilidades e atributos voltados à carreira artística. Primeiramente ela nos ajudou a identificar nossas habilidades, e posteriormente nos ensinou a transformar nossas habilidades em histórias para melhor comunicá-las (evidenciá-las) dentro do contexto de uma conversa. Esta sessão foi muito interessante pois mostrou formas de dentro de uma conversa “descontraída” passar informações que possam ser relevantes no futuro. Nesta sessão, além de me deparar com questões ainda delicadas sobre como definir as minhas habilidades e estar segura com elas, me fez começar a refletir com mais profundidade sobre as nossas histórias pessoais e a narrativa que está vinculada com o ser artista. Acredito que as nossas histórias e vivências como artistas são tão ou até mais importantes do que o trabalho realizado.

Ainda dentro da Low Residency finalmente tive a oportunidade de fazer um workshop de cerâmica. Fazia tempo que eu não aprendia uma habilidade realmente nova, e mesmo achando mais difícil do eu imaginava eu consegui realizar algumas peças. Primeiro fiz uma xícara com a técnica de pinching com os dedos. Fiz ainda um pingente para os meus colares e um potinho na mesa giratória. Não sei como e nem se eu usarei cerâmica no meu trabalho final, ou até na mina pratica artística, mas definitivamente vou explorar de novo a técnica. A sensação de construir e ter um objeto pronto é realmente maravilhosa. Preciso aproveitar para fazer mais cerâmica antes de acabar meu curso.

O sábado foi um pouco mais tranquilo e nos fomos conhecer alguns espaços de arte na cidade de Margate. Fiquei encantada principalmente com a instituição Turner Contemporary e de como uma instituição de arte pode ter uma influência tão grande na cidade, trazendo mais comércio, turismo e cultura. Foi incrível também saber que estávamos no mesmo lugar e com a mesma vista que o Willian Turner pintou tantas vezes.

A segunda semana começou com uma palestra de dois artistas ex-alunos do curso: Mannn e Trystan Williams,  com a filosofia de arte do Patatas Guerra: “bring some work and we do something”. Depois de se formarem no mestrado e ao estarem um pouco frustrados com o circuito tradicional de arte decidiram, em uma noite no bar, se reunir e fazer ou mostrar seus trabalhos na rua. Eles usaram a espontaneidade do momento e o espaço publico para uma pequena exposição coletiva que durou poucas horas, e portanto o registro de todo processo é muito importante. Como a arte digital também faz parte da prática dos artistas algumas intervenções digitais se tornaram parte do registro. Eles ainda colocaram que essas ações têm quase que um caráter ritualístico de realizar uma deriva, achar um lugar, experimentar, explorar e perceber como seus trabalhos interagem com o espaço externo, o espaço publico.  Eles já fizeram 3 edições desta ação, em Milão, Londres e Veneza e depois desta palestra eles nos convidaram a fazer o mesmo. Em grupo, achar um lugar levar os trabalhos, negociar com o espaço e entender como nossa pratica se relaciona com o entorno, e não esquecer que o registro do processo é o mais importante.

 Nosso grupo se consistiu de 5 mulheres, Arlette, Vivan, Gabi, Zara B. e eu. E assim como para os meninos tudo se iniciou em um pub a nossa primeira reação foi ir tomar um café. Passamos algumas horas conversando, nos conhecendo melhor e compartilhando nossas histórias, inquietações e angústias. Interessante como mesmo que todas nos tenhamos culturas e trajetórias de vidas diferentes conseguimos nos identificar e umas com as outra dentro desta longa jornada por sermos jovens mulheres artistas na sociedade atual. Seguimos para um parque perto da escola e achamos um espaço com uma árvore que estava começando a brotar flores: o primeiro indício de primavera depois desse árduo inverno.  Todas nós começamos calmamente a explorar o local com nossas ferramentas, habilidades e trabalhos, e juntas fomos construindo um espaço seguro (safe space) para aquela árvore em gestação e para todos os nossos sentimentos e pensamentos. 

 Eu escolhi realizar fotografias em Macro da árvore e combiná-la digitalmente com uma foto geral, levantando questões sobre o local, sobre o intimo e o coletivo. Além de experimentar com os escorridos de água com tinta em um outro ambiente e um outro contexto e construir uma espécie de rede de arame dourado que também protegia aquele ambiente.

 Depois deste momento de intensa experimentação e criatividade eu ainda tive coragem de brincar e experimentar jogando tinta colorida nas peças de água do chão do caminho de volta a escola. O resultado não ficou como eu gostaria, mas gostei de me sentir livre e experimentar em um ambiente público, não seguro pelas paredes do estúdio. Espero que quem tenha passado por lá depois e visto tenha se perguntado sobre o porquê daquelas poças estarem coloridas.

 No dia seguinte, como registro apresentamos um vídeo que apresentamos uma sequencia se fotos e esta “colagem” dos nossos trabalhos.

 Em um dos últimos dias fizemos uma visita ao Tate Modern, mais especificamente ao Tate Exchange em que, pelo que eu entendi, alguns cursos estavam apresentando ações referentes a saúde mental, acessibilidade e outras formas de ver. Quando eu vi mesa cheia de papel, giz e espelhos não consegui pensar em outra coisa que não fosse a minha prática de autorretrato cego que realizei no inicio deste processo de mestrado. Sem nem perceber eu estava ensinando alguns colegas esta pratica e sobre o quão ela é importante para a nossa construção do olhar e principalmente do autoconhecimento. Os espelhos disponíveis na mesa me proporcionaram brincar e perceber os desenhos de outra forma, distorcidos ou fragmentados como um sonho. Nesse momento eu comecei a me questionar o porque de eu ter abandonado esta pratica e do porque de eu não consigo vê-la como um trabalho de arte? Talvez neste final de processo eu deva voltar a construir este meu olhar através do subconsciente e do ato de desenhar e quem sabe resignifica-lo. E se eu borrar os desenhos com água? Será que está pratica não é um ritual?

Acredito que esta participação na Low Residency foi muito importante, pois me trouxe a oportunidade de novamente brincar e me eixar encantar pela arte e pelos processos. Me fez perceber que as coisas podem ser mais leves e mais divertidas e que ‘você precisa experimentar mais’ é a coisa mais legal que eu poderia ouvir.

Obrigada Jonathan

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